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A práxis teatral e suas raízes visuais: Kane,
Maeterlinck e o pós-dramático
Eduardo Tudella
Para citar este artigo:
TUDELLA, Eduardo. A
práxis
teatral e suas raízes visuais:
Kane, Maeterlinck e o pós-dramático
. Urdimento
–
Revista de Estudos em Artes Cênicas, Florianópolis, v. 4,
n. 49, dez. 2023.
DOI: 10.5965/1414573104492023e0203
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A
práxis
1 teatral e suas raízes visuais: Kane, Maeterlinck e o pós-dramático2
Eduardo Tudella3
Resumo
Discute-se neste artigo prováveis raízes visuais para a
praxis
teatral. Observei
derivações originadas no verbo grego
théa
, assim como no substantivo
theatron
,
encontrados já na Grécia antiga. Partindo desse contexto, identifiquei elos teóricos
com Hans-Thies Lehmann, Peter Szondi e Ewald Hackler. Foram incorporadas à
argumentação duas obras da dramaturgia internacional escritas em épocas distintas,
a saber:
Les Aveugles
(1890) e
4.48 Psychosis
(2000), cujos autores são
respectivamente, Maurice Maeterlinck (1862-1949) e Sarah Kane (1971-1999). Tal
abordagem encontrou trechos que revelam aplicação consistente de imagens
verbais no corpus dramatúrgico de cada uma dessas obras. Diante disso, sugiro
atenção acadêmica para estudos sistematizados da praxis visual no teatro.
Palavras-chave
:
Práxis
teatral. Imagem. Teatro pós-dramático. Iluminação para o
teatro. Projeto.
The theatrical praxis and its visual roots: Sarah Kane, Maurice Maeterlinck and
the Post-Dramatic
Abstract
This article discusses probable visual roots for theatrical praxis. I observed
derivations originating in the Greek verb
théa
, as well as in the noun
theatron
, found
in ancient Greece. Starting from this context, I identified theoretical links with Hans-
Thies Lehmann, Peter Szondi and Ewald Hackler. Two works of international
dramaturgy written at different times were incorporated into the argument, namely:
Les Aveugles
(1890) and
4.48 Psychosis
(2000), whose authors they are, respectively,
Maurice Maeterlinck (1862-1949) and Sarah Kane (1971-1999). This approach found
excerpts that reveal consistent application of verbal images in the dramaturgical
corpus of each of these works. Given this, I suggest academic attention to
systematized studies of visual praxis in the theater.
Keywords
: Theatrical praxis. Image. Postdramatic theater. Theater lighting. Design.
1 Este termo está destacado em itálico para evitar compreensões do senso comum que reduzem, em
português, o sentido de prática ao ato ou efeito de praticar. Já introduzi na minha tese de doutorado a noção
de práxis em suas diretas relações com o contexto grego antigo, onde o termo se difunde. O link acime
conecta-se à primeira versão da tese em que o termo está destacado (p. 26).
Cf. https://repositorio.ufba.br/handle/ri/27309.
2 Revisão ortográfica, gramatical e contextual do artigo realizada por Janete Maria Gheller, graduada em Letras
– Habilitação em Português e Literatura da Língua Portuguesa, sob o registro 194.467 do MEC.
ghellerjanete@hotmail.com
3 Doutor em Artes Cênicas pela Universidade Federal da Bahia - PPGAC. Mestre em Design Teatral - Iluminação
- New York University. Bacharel em Artes Cênicas - Direção Teatral pela Universidade Federal da Bahia.
Professor associado da Universidade Federal da Bahia. Diretor, Designer e Professor-Pesquisador. Premiado,
tanto na produção bibliográfica, quanto artística. etudella@gmail.com
http://lattes.cnpq.br/3273156956850260 https://orcid.org/0009-0009-4449-5395
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La praxis teatral y sus raíces visuales: Sarah Kane, Maurice Maeterlinck y el
posdramático
Resumen
Este artículo analiza las probables raíces visuales de la praxis teatral. Observé
derivaciones originadas en el verbo griego
théa
, así como en el sustantivo
theatron
,
que se encuentra en la antigua Grecia. A partir de este contexto, identifiqué vínculos
teóricos con Hans-Thies Lehmann, Peter Szondi y Ewald Hackler. Se incorporaron al
argumento dos obras de dramaturgia internacional escritas en diferentes épocas, a
saber:
Les Aveugles
(1890) y
4.48 Psychosis
(2000), cuyos autores son,
respectivamente, Maurice Maeterlinck (1862-1949) y Sarah Kane (1971-1999). . Este
enfoque encontró extractos que revelan una aplicación consistente de imágenes
verbales en el corpus dramatúrgico de cada una de estas obras. Ante esto, sugiero
atención académica a los estudios sistematizados de la praxis visual en teatro.
Palabras clave
: Praxis teatral. Imagen. Teatro posdramático. Iluminación del teatro.
Diseño.
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Introdução
As presentes observações sobre a
práxis
teatral podem incluir certas
limitações, uma vez que é impossível apresentar afirmações sobre o teatro que
não vi. Afinal, só assisti aos espetáculos nas últimas seis décadas, sendo que esta
arte é praticada há pelo menos vinte e cinco séculos. Quando alguém decide
descrever ou analisar um espetáculo ao qual não esteve presente exercita a
liberdade de aplicar julgamento pessoal, consulta a diferentes escritos, modelos
ideológicos, e padrões subjetivos. Falar do teatro do passado, portanto, pode
envolver imaginação, fantasia, sugestão, especulação. Por outro lado, embora
existam muitos métodos de gravação e reprodução de um espetáculo, o espírito
rebelde do teatro não aceita tal processo, uma vez que ele é transformado em
outro fenômeno, como exemplo, pintura, gravura, desenho, fotografia, vídeo, entre
outros, com intervenção de terceiros e aplicação de
media
artificiais. Além disso,
mesmo esses exemplos não ganharão vida a menos que interajam com o sistema
perceptivo de uma pessoa que o observa, uma vez que tais manifestações são
efetivadas como imagens visuais fisicalizadas, à espera de um observador. Em
última análise, uma vez encerrado o espetáculo, as imagens submergem na
percepção do
spectátor
e a próxima performance só ganhará vida em uma
operação que depende do público.
Portanto, ao me referir à
práxis
teatral, ao teatro, estou tratando do
acontecimento teatral em si, cuja eficácia depende de pelo menos dois sujeitos:
um que concebe, o artista, e outro, o
spectátor
. Tal acontecimento pode incluir o
desejo de discutir, refletir, investigar a condição humana, encontrando meios
estético-poéticos para construir certo grau de apresentação/representação,
elaborando qualidade espetacular. Entendo que as raízes visuais do teatro já se
encontravam no teatro grego antigo, no sentido organicamente presente no verbo
grego
théa
, que se conecta a
theatron
, ambos ligados à visão. O teatro foi
concebido por um sujeito, como uma ação para ser vista por outro.
Foram incluídos neste artigo trechos da minha tese de doutorado, com o
intuito de aproximar a pessoa que lê das noções e conceitos que sustentam as
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discussões aqui encaminhadas, promovendo certo grau de autonomia para o texto.
Observações acerca da obra de Maurice Maeterlinck e Sarah Kane aparecem aqui
para destacar a contundência das provocações visuais latentes na dramaturgia,
em uma apresentação concisa.
Na abordagem especificamente desenvolvida aqui tais nuances interagem
com o trabalho de Hans-Thies Lehmann, em
The Postdramatic Theatre
(2006).
Desde sua publicação original em alemão, em 1999, o livro tem causado discussão
internacional, sendo traduzido para diversos idiomas, primeiro em francês e
japonês (2002), seguido por esloveno (2003), persa (2005), repercutindo
fortemente na
práxis
teatral universitária brasileira desde sua publicação
portuguesa, em 2007. Parecia haver surgido um manifesto, um documento
definitivo de apoio – ou uma oportuna poética de programação – rapidamente
incorporado por artistas e teóricos (Tudella, 2017). A
desconstrução
da
personagem dramática tornou-se efetiva. Apesar da reação inicial, no entanto, o
teatro pós-dramático logo teve relativizado seu apelo. Vale ressaltar que as ideias
de Lehmann provocaram algumas dissensões. Elinor Fuchs (2008) considera
tratar-se de certa generalização, quando Lehmann reúne diversas manifestações
teatrais na mesma expressão.
Abrindo sua tradução para o idioma inglês, Karen Jürs-Munby - resume a
proposição de Lehmann:
O estudo de Hans-Thies Lehmann respondeu obviamente à necessidade
vital de uma teoria abrangente e acessível que articulasse a relação entre
o drama e os modos teatrais “não mais dramáticos” que surgiram desde
a década de 1970 (Jürs-Munby 2006, p. 1).
Essa tradução, que recebeu elogios do próprio autor, foi utilizada no trabalho
em curso. A primeira observação relevante de Lehmann aparece logo no prefácio
da edição anglo-americana. Ou seja, acentuando seu interesse na representação
teatral e não no texto (literário-dramático), ele mencionou a tensão entre o teatro
e o que chamou de teatro pós-dramático. Sua declarada intenção privilegia o
acontecimento teatral, em detrimento do texto dramático-literário (formal ou
improvisado), das palavras que o precedem e, por outro lado, reconhece a
importância de Sarah Kane como autora que, a seu próprio juízo, produz uma das
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obras mais importantes do contexto. Suas observações geraram provocação
consistente para este trabalho, pois permitiram certa ligação entre teoria,
dramaturgia e
práxis
teatral.
As preocupações com o papel do texto na cena pós-dramática e a subversão
da palavra falada como um dos aspectos da ação (de uma personagem) implicam
fortemente a necessidade de que
algo seja visto no teatro
(do já repetido verbo
grego
théa
, ver). A abordagem mais notável do teatro grego, na obra de Aristóteles,
teve tamanha repercussão entre os estudiosos de toda a modernidade, a ponto
de levar a tragédia grega a ser academicamente conhecida como
aristotélica
. No
entanto, o discurso poético incluído na manifestação denominada teatro pelos
gregos, a importância das palavras ouvidas na tragédia, então,
greco-aristotélica
,
nos diálogos construídos sob o calor dos acontecimentos trágicos, originados nos
desejos profundos dos personagens, finalmente desapareceriam sob o prisma do
teatro pós-dramático (Tudella, 2017).
De qualquer forma, o grau de heterogeneidade no pensamento pós-
dramático e nas manifestações que ele valida pode levar à certa derivação,
comentada na tradução publicada em Londres e em Nova York: “[...] a noção de
teatro pós-dramático e sua valorização da dimensão performativa não implica que
os textos escritos para o teatro não sejam mais relevantes ou não possam ser
considerados neste contexto” (Jürs-Munby, 2006, p. 6). Tal afirmação pode parecer
um mero apego à tradição condenada pelas “vanguardas” do século XX. Por outro
lado, pode também incluir alguma perspicácia estratégica da revolução em voga.
Afinal, a
práxis
teatral questionou, modificou e subverteu o texto dramático ao
longo da história sem, no entanto, desconsiderar o seu papel decisivo em
momentos relevantes do teatro (Tudella, 2013).
Todavia, o desejo de questionar as observações aristotélicas dá lugar a
iniciativas como aquela mencionada por Tim Etchells, diretor da empresa
British
Forced Entertainment
: “A peça fala sobre ação física e construção de cenários
como formas de escrita, fala sobre escrever palavras para serem vistas e lidas no
palco, em vez de faladas [...]” (Etchells apud Jürs-Munby, 2006, p. 9). O desejo de
desconstruir o diálogo originado na iniciativa grega, incorpora profundamente,
portanto, a experiência visiva, no diversificado modelo pós-dramático que assume
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certa categoria de radicalidade interpretativa da ideia grega de cena (derivação da
noção grega de
skene
, espaço transformado em lugar da ação pela presença do/a
performer, da personagem). Quero dizer, desconsiderando o diálogo falado,
permanece no pós-dramático – como legado do teatro concebido pelo
pensamento grego – o que está latente no nominativo do próprio teatro, ou seja,
a acentuação do teatro como imagem visual fisicalizada (Tudella, 2017). As
considerações preliminares da tradução, como em alguns aspectos mencionados
a seguir, representam excelente esforço para apresentar o novo teatro idealizado
por Lehmann:
O adjetivo “pós-dramático” denota um teatro que se sente obrigado a
operar para além do drama, num momento “após” a autoridade do
paradigma dramático no teatro. O que isso não significa é uma negação
abstrata e um mero desvio da tradição do drama.
Pós
drama significa que
ele sobrevive como uma estrutura – embora enfraquecida e exausta –
do teatro
tradicional
: como uma expectativa de grandes partes do seu
público, como uma base para muitos dos seus meios de representação,
como uma norma quasi-automática de funcionamento da sua
dramaturgia (Lehmann, 2006, p.27).
No teatro pós-dramático, o texto deve, ou deveria, incluir certa teatralidade
latente que o distanciasse da representação dramática de um cosmos ficcional
fechado e da mimética de uma fábula. Separado do drama na segunda metade do
século XX, o novo teatro trouxe a imposição da materialidade da cena e a
desconstrução da hegemonia do texto (dramático-literário). A linguagem buscada
pelo que Lehmann chamou de novo teatro pós-dramático exigia nova postura que
incorporasse diversos instrumentos, acessórios e controles, com o objetivo de
promover a excelência visual. Portanto, mesmo no confronto com o drama, ainda
havia um traço que conectava teatro e pós-dramático, o contexto da imagem
visual, mental ou fisicalizada (Tudella, 2017).
A peça, o texto, as palavras, as falas, deviam ser transformadas em um ou
mais aspectos da cenografia, por vezes revelados em imagens reproduzidas por
diversas
media
de áudio e vídeo. Tratando da noção de cenografia, é fundamental
evitar traduções superficiais que reduzam o significado de
grafar
apenas para
escrever, e considerar a amplitude deste termo em sua origem grega,
graphein
. Ou
seja, mais do que somente expressar através de caracteres escritos, também no
sentido clássico de desenhar, representar por linhas traçadas. Originalmente,
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derivando da raiz PIE (proto-indo-europeia)
gerbh
, indicando riscar, esculpir. Assim,
vale observar a noção de cenografia com o escopo que inclui significados alinhados
à representação gráfica, ao traçado e ao desenho. Mais uma vez, estamos aqui
lidando com uma cena a ser vista.
Mesmo quando o
spectátor
foi chamado a atuar como cocriador do
espetáculo, implica certa reciclagem, reaproveitando e refazendo, livre de normas,
analogamente ligado por Jürs-Munby, ao palimpsesto4. Vale notar o combate das
noções aristotélicas de equilíbrio, assim como de totalidade do drama que
apresenta abordagens de extensão e de duração inerentes à sua construção lógica
e manejável, como espelho de um mundo apreensível.
O teatro pós-dramático poderia estar relacionado à descrença no controle,
baseado no que hoje se considera o caráter escorregadio e fragmentado de vida
contemporânea, revolvida por entranhas tecnológicas. Segundo Jürs-Munby (2006,
p.12), o mundo não é mais a totalidade ficcional encerrada pela quarta parede,
como acreditavam Denis Diderot (1713-1784), André Antoine (1858-1943) e August
Strindberg (1849-1912). Em suma, o/a
performer
não mais representaria uma
personagem, ele/a efetivaria a si mesmo/a diante do público. Não se trata de
ficção. A performance acontece naquele momento e local definidos, como numa
celebração. Talvez seja possível dizer que o desejo da ação pós-dramática era ser
uma ação verdadeira, viva, presente ou “real” (?!).
Tratava-se de outro “naturalismo” ou um naturalismo elevado à altíssima e
radical potência?
Se tivesse vivido em tempos pós-dramáticos, seria Émile Zola (1840-1902)
aplaudido?
O tema deixaria de ser a condição humana e se voltaria o desejo de celebrar
determinado fragmento, em espaço e tempo eleitos pelo/a
performer
, sugerindo
um ritual? Para construir sua abordagem do teatro, Lehmann retornou à noção de
totalidade. Soa como certa totalidade teatral, não primariamente dramática,
caracterizando o espetáculo como uma espécie de texto total. O valor de uma
peça, da palavra escrita, é reduzido, e ela passa a ser tratada como um aspecto
4 Papiro ou pergaminho, cujo texto original foi raspado para dar lugar a outro.
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do teatro que compartilha relevância com imagens visuais, sonoras, além do
sentido tátil, assim como do olfativo.
Ao eliminar a notória hegemonia (do drama), abriu-se espaço para uma
parceria que exige flexibilidade do texto, uma vez que este deixou de representar
a fala das personagens – se elas ainda pudessem ser encontradas – assumindo
certa teatralidade autônoma. Esta nova função da palavra destruiu as figuras
(personagens) de suposta profundidade que, no antigo teatro ‘dramático’,
falavam/agiam. Imerso no universo da visão, Lehmann fez uma afirmação repleta
de profundas pistas dos compromissos de seu novo teatro: “[...] em vez da ilusão
do espaço tridimensional, o que está sendo 'encenado' é a planicidade da imagem,
a sua realidade bidimensional e a realidade da cor como uma intervenção
autônoma" (Lehmann, 2006, p. 18).
Confrontando a noção da tridimensionalidade com essas novas manchas
bidimensionais de cor, ele indica relações entre cena e pintura, mergulhando num
pensamento visual. O
spectátor
olharia para uma multiplicidade de camadas
produzidas por um performer ou um grupo de performers, incluindo tecnologia
(eletroeletrônico-digital), mas ainda escolhendo um momento e um local de
encontro no qual o cotidiano devia se abrir acomodar a nova teatralidade. Mas
ainda definindo um momento e um local de encontro com um ordenamento
particular em que o cotidiano seria invadido pelos eventos. Seria o novo teatro
uma nova tipologia “multiforme” do discurso teatral, causada pela falta de
estabilidade na vida cotidiana? Como uma meditação autorreflexiva que
incorporava ritmo, tom e silêncio – acentuando a sua qualidade musical – num
teatro efetivado em gestos e formas grotescas, por vezes em espaços chamados
vazios
(Tudella, 2017). Portanto, encontraríamos alguma radicalização na praxis
teatral pós-dramática, efetivada em assertivas visuais. No que diz respeito ao
tratamento do espaço, Lehmann deixou vigorosa articulação visual para seu novo
teatro. Uma de suas indicações mais relevantes é encontrada no prólogo:
Apesar disso, permanece discutível até que ponto e de que modo o
público dos séculos anteriores foi levado pelas “ilusões” oferecidas pelos
truques de palco, iluminação artística, fundo musical, figurinos e cenário,
podendo-se afirmar que o teatro dramático foi a formação da ilusão
(Lehmann, 2006, p. 22).
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Seguindo o raciocínio que constrói tal afirmação, é possível sublinhar o papel
decisivo da imagem visual fisicalizada na ilusão à qual o autor se refere, já que o
teatro precisava – e dependia – da luz para mostrar no palco aparatos e arranjos
usados com o intuito de ludibriar visualmente o
spectátor
. Além disso, a
iluminação torna-se cada vez mais 'astuta', através da incorporação de
tecnologias. Então, ao considerar o compromisso visual assumido pelo teatro pós-
dramático, toda cautela será bem-vinda no trabalho do/a
lighting designer
que
ainda se interesse pela obra de Lehmann. Sem cautela, ele/a poderá repetir
truques do teatro realista que pretende condenar. Mesmo o
primevo
compromisso
na iluminação já aparece nas imagens verbais inseridas por Lehmann (2006, p.26):
No que diz respeito aos textos teatrais mais recentes, os estudiosos têm
falado sobre “textos teatrais não mais dramáticos”, como já foi
mencionado, mas, o que ainda falta é uma tentativa de examinar o novo
teatro e a diversidade dos seus meios teatrais com mais detalhe à luz de
estética pós-dramática.
Como pode ser visto no exemplo acima, ele aplica o termo
luz
para se referir
às ideias do teatro pós-dramático. Além disso, Lehmann confirma e reforça sua
confiança na contribuição da luz, em alguns momentos, mesmo que, ao discutir a
Poética de Aristóteles, faça uma importante ressalva:
Aristóteles está preocupado com o filosófico na tragédia. Ele considera a
mimese
como uma espécie de “mathesis”, uma aprendizagem que
oferece mais deleite através do prazer de reconhecer o objeto da
mimese
– um prazer necessário apenas às massas, e não realmente ao filósofo
(Lehmann, 2006, p. 40).
Uma vez que o público não é composto exclusivamente por filósofos, pode
inferir que o teatro decidiu incorporar a relevância da imagem visual fisicalizada (o
reconhecimento dos objetos), tornando-a indispensável na sua constituição.
Citando o próprio Aristóteles, Lehmann apresenta o que pode ser considerado um
argumento consistente na defesa do projeto de iluminação para a
práxis
teatral:
A compreensão é extremamente agradável, não apenas para os filósofos,
mas também para os outros, da mesma maneira, apesar da sua
capacidade limitada para isso. Esta é a razão pela qual as pessoas têm
prazer em ver imagens; o que acontece é que, ao vê-los, elas passam a
entender e descobrir o que é cada coisa (Aristóteles apud Lehmann, 2006,
p. 40).
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Afinal, tendo a imagem o poder de estar no lugar da
coisa
, Aristóteles parecia
estar certo. Se hoje não é possível avaliar com precisão a relação dos seres
humanos deste nosso tempo com a imagem, pelo menos testemunha-se o papel
dessa mesma imagem na construção da cultura, registrado pelo próprio Lehmann
ao longo de seu livro. No discurso em torno das primeiras manifestações históricas
de vanguardas modernas, ele cita Michael Kirby:
A estética simbolista demonstra uma virada para dentro, afastando-se
do mundo burguês e dos seus padrões, para um mundo mais pessoal,
privado e extraordinário. A performance simbolista foi feita em pequenos
teatros. Era desapegado, distante e estático, envolvendo pouca energia
física. A iluminação era muitas vezes fraca. Os atores muitas vezes
trabalhavam atrás de telas [...] A arte era independente, isolada, completa.
Podemos chamar isso de modelo ‘hermético’ de performance de
vanguarda” (Kirby apud Lehmann, 2006, p. 57).
Uma imaginação treinada e familiarizada com o estudo de iconografias
teatrais das diversas fases da história reconheceria a qualidade visual, a atmosfera
inscrita, ou desejada pelo teatro pós-dramático. Entretanto, antes identificar que
o uso da tela e da penumbra não representa necessariamente inovação simbolista.
Uma das nuances mais relevantes da questão é que, desde suas primeiras
incursões, as chamadas vanguardas teatrais surgidas no século XIX trataram a
iluminação como um aspecto integrador e indispensável
práxis
em questão.
Apresentando marcas radicais do que Lehmann entende como a pré-história
das vanguardas, o simbolismo trouxe em sua provocação estética o
aprofundamento em interações com o
logos
visual:
Com isso, tornou-se possível a dissolução do tradicional amálgama entre
texto e palco, além da possibilidade de novo modo de reconectá-los.
Olhando para a peça com uma dimensão poética independente e,
simultaneamente, considerando a 'poesia' do palco dissociada da palavra,
como uma poesia atmosférica de espaço e luz, tornou-se possível uma
nova disposição teatral (Lehmann, 2006, p. 59).
Num certo sentido, ao apontar a contribuição da iluminação para as novas
forças teatrais, para a sua “poesia atmosférica de espaço e luz”, Lehmann desafiou
a crítica que relacionava atmosfera e imagem na iluminação realista. Embora a
revolução pós-dramática tenha perdido seu apelo, resta destacar os
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compromissos visuais desse teatro e avaliar em que medida esse anseio visual foi
descartado, se foi. O pós-moderno afirmou-se pela elaboração independente da
poética de imagens visuais teatrais, exigindo do discurso visual contributos
estéticos muito particulares.
Lehmann sublinhou o texto
4.48 Psychosis
, da autora inglesa Sarah Kane, cuja
estreia ocorreu em 23 de junho de 2000, pouco mais de um ano após morte da
autora em fevereiro de 1999, como obra relevante para a discussão do modelo
pós-dramático.
4.48 Psychosis
Nesta abordagem da dramaturgia de Sarah Kane evito análises médicas,
relações com presumível desequilíbrio ou doença mental, já que os meus campos
de estudo são de interesse estético, buscando aspectos da imagem visual,
fisicalizada e/ou, mental.
Na compreensão do próprio Lehmann, a dinâmica radical do teatro pós-
dramático pode incorporar diversificados textos que interajam com suas
proposições.
4.48 Psychosis
foi lido como desafio no que se refere a proposições
visuais para uma performance, evitando detalhar a análise para manter a presente
escrita nos limites de um artigo. Por outro lado, buscando aproximação com as
raízes visuais na gênese do teatro, o objetivo principal é encontrar provocações
visuais latentes. Num certo sentido, pode-se até argumentar que a construção de
4.48 Psychosis
não determina explícita intenção teatral, uma vez que não há
construção convencional de diálogo ou identificação de personagens falantes.
Nada impede que o texto seja compreendido como um poema a ser lido, nada o
liga à reconhecida estrutura literário-dramática na qual se espera a elaboração
lógica de um ambiente onde a ação cênica será fisicalizada.
Por outro lado, é possível observar no texto certo controle exercido pela
autora para comunicar e expressar alguma condição de desordem no discurso,
como se a aparência do caos fosse elaborada artificialmente por quem escreveu.
As fronteiras entre a possível doença mental de Kane e suas escolhas como artista
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são evitadas no presente estudo. Embora, ao considerarmos o discurso que ela
coloca em jogo – a voz de quem fala sobre desequilíbrio, sofrimento, sentimento
de culpa, nutrindo relações com a morte e gritando por socorro – é possível
identificar alguma organização do discurso, o que demonstra interesse em
verossimilhança. Apresentam-se aqui considerações de um leitor movido por
determinada compreensão visual do texto, sem a profundidade de um teórico,
crítico ou diretor, muito menos de um neurobiólogo, de um psiquiatra ou mesmo
de um psicanalista (Tudella, 2013).
O acontecimento teatral é projetado para além do seu momento
primevo
. Na
situação elaborada por Kane podem se apreendidas duas presenças: uma que
pergunta e outra que (não) responde, além do
spectátor
(aquele/a que observa),
que pode ser interpretado/a como testemunha, um terceiro presente. Se o
momento de abertura for tratado como um diálogo – mesmo que realizado por
um ator ou atriz sozinho/a na
performance
– a testemunha poderá perguntar:
“Onde e quando a situação se passa?”
Sarah Kane (2001, p. 206) escreveu:
Estou triste | Sinto que o futuro não tem esperança e que as coisas não
podem melhorar | Estou entediada e insatisfeita com tudo | Sou um
completo fracasso como pessoa | Sou culpada, estou sendo punida | Eu
gostaria de me matar | Eu costumava chorar, mas agora estou além das
lágrimas | Perdi o interesse pelas outras pessoas | Não consigo tomar
decisões | não consigo comer | não consigo dormir | Não consigo pensar |
Não consigo superar minha solidão, meu medo, meu desgosto | Estou
gorda | Não consigo escrever | Eu não posso amar | Meu irmão está
morrendo, meu amante está morrendo, estou matando os dois | Estou
avançando para a minha morte | Tenho pavor de remédios, não consigo
fazer amor | Eu não posso foder | Não posso ficar sozinha | Não posso
estar com outras pessoas | Meus quadris são muito grandes | Eu não
gosto dos meus órgãos genitais [...].5
Um conjunto de discursos, discurso único ou discurso fragmentado,
remetendo àquilo que no drama realista poderia ser apresentado na
didaskalia
5 I am sad | I feel that the future is hopeless and that things cannot improve | I am bored and dissatisfied with
everything | I am a complete failure as a person | I am guilty, I am being punished | I would like to kill myself
| I used to be able to cry but now I am beyond tears | I have lost interest in other people | I can’t make
decisions | I can’t eat | I can’t sleep | I can’t think | I cannot overcome my loneliness, my fear, my disgust | I
am fat | I cannot write | I cannot love | My brother is dying, my lover is dying, I am killing them both | I am
charging towards my death | I am terrified of medication I cannot make love | I cannot fuck | I cannot be
alone | I cannot be with others | My hips are too big | I dislike my genitals [...]. (Tradução nossa)
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(διδασκαλία)6 de abertura e/ou durante a ação, ainda que uma personagem do
realismo não se declare tão explicitamente. Ela pode estar tão triste, pode estar
caminhando para a própria morte, a ponto de não ser capaz de demonstrar na
própria escrita. Por outro lado, Sarah Kane apresenta uma situação que pode
representar considerável desafio e uma armadilha para
designers
da iluminação
teatral. A personagem pode constituir ou a
performer
pode estar se referindo a
uma pessoa que clama por ajuda. De qualquer forma, tal pessoa está em algum
lugar e tempo. Com a decisão de afastar o texto da abordagem 'dramático-
realista', este lugar e tempo devem ser aqueles nos quais a ação acontece: um
shopping, qualquer praça de uma cidade, o palco da principal casa de ópera do
país (como exemplos), ou onde quer que um artista (ou grupo de artistas) decida
trabalhar com o texto de Sarah Kane.
A passagem acima parece indicar uma exposição crua de uma pessoa que
descreve a si mesma. Efeitos superficiais
espetaculosos
podem mascarar
negativamente ou teatralizar excessivamente os ambientes, destruindo uma
atmosfera que pode estar revelando um grito de socorro: “Não quero morrer [...]
não quero viver” (Kane, 2001, p. 207). Se é possível ouvir fragmentos de fala, é
plausível que se possa ver fragmentos dinâmicos de imagens, ou, imagens
fragmentadas. Perceber através da aferência e da eferência, envolvendo o sistema
nervoso sensorial, sistema da visão, incluindo a contribuição oculomotora para a
percepção. Em suma, o que o spectátor, na sua condição de ser humano, quer ver,
vê, pode ver, ou é autorizado a ver.
No título, a psicose vem acompanhada do número ‘4,48’. Assim, cabe
perguntar por que ela escolheu tal título para a peça, caso possamos compreender
seu texto como tal. Sabe-se que a autora acordava todas as manhãs neste horário
e via, naquele momento de escuridão, grandes clarões de luz que afastavam os
sentimentos confusos ou episódios de psicose O termo psicose se destaca no
texto (sem a interferência de outras interpretações, inclusive aquelas voltadas para
abordagens não teatrais da questão), por meio do isolamento, já que não é
explicitamente repetido em nenhum outro momento. No que diz respeito ao
contexto visual, o isolamento e o posicionamento, de modo geral, são importantes
6 Literalmente: ensino, instrução.
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indicações para a composição, para o
in situ
(o/a personagem no palco, o/a
performer no local da ação) como imagem visual fisicalizada. Por outro lado, o
termo psicose – mesmo que de forma superficial e não científica – pode remeter
a certo estado de desajuste, sugerindo a ação.
O texto-imagem 4:h48 aparece logo após a apresentação citada acima: “Às
4:48 | quando a depressão visita | vou me enforcar | ao som da respiração da minha
amante [...]” (Kane, 2001, p. 207). Lidas após o título, essas palavras podem indicar
uma ação que ocorre em um horário e em um lugar, um momento que antecede
4h48, antes da visita do desespero, na companhia da amante. Ou, talvez, a ação
comece precisamente às 4h48h. Por que 4:h48 e por que 4:h48 reaparece? O texto
contém:
Depois das 16h48 não voltarei a falar (Kane, 2001, p. 213). Às 4h48 | quando
a sanidade visita | por uma hora e doze minutos estou em meu perfeito
juízo. | Quando passar, irei embora de novo, [...] (Kane, 2001, p. 229).
E mais: “Às 4:48 | Vou dormir [...]” (Kane, 2001, p. 233). Para sempre?
Afinal, o tempo flui ou permanece congelado? Será que o controle da mente,
relacionado ao momento preciso, às 4h48, levará ao silêncio, ao sono, à morte?
Na evocação do título e ao longo do texto, Kane pode ter sugerido uma
provocação temporal que seria incorporada à performance, não necessariamente
no sentido de tempo linear ou de pressupostos realistas. Ou seja, os movimentos
elaborados pela iluminação podem propor momentos nos quais o tempo e suas
variações, como andamento, pulsação, ritmo são considerados no sentido musical.
Sem incluir compromissos com a representação figurativa, mas com extrema
atenção e ênfase na pessoa que fala, como corpo e como imagem, como
corpo-
imagem
. Corpo que generosamente se oferece como
medium
para a construção
de imagem Tudella, 2013).
Objetivamente, ângulos decorrentes do posicionamento das fontes de luz
artificial que operam no local onde o corpo se encontra podem gerar sombras que
determinam visualmente as relações entre quem fala, no texto literário-dramático,
e quem age (o que inclui a fala), no ambiente ou lugar teatral. Como exemplo, uma
sombra que projeta firmemente as fronteiras físicas do corpo de quem fala (age),
sugerindo atenção ao ponto onde ela (a sombra) atinge o ambiente, ou, por outro
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lado, todo o corpo pode ter sua sombra diluída, sugerindo a remoção dos seus
limites lógicos, desvanecendo. Estamos tratando de aspectos da abordagem visual
que podem dar consistência artística ao tratamento concebido por um/a
lighting
designer
. Tais observações referem-se apenas a um instrumento (unidade,
refletor). E se outras fontes de luz artificial forem somadas, multiplicando as
sombras?
Em relação às cores e texturas, que relações podem ser estabelecidas? Não
se pretende aqui esgotar possibilidades, pois não parece possível, nem necessária
aqui, a extensa enumeração completa de prováveis caminhos de abordagem visual
para qualquer que seja a obra. Contudo, recomenda-se visitar outros momentos
do texto para sustentar a argumentação. Encontra-se, então, uma referência ao
tempo, duração, presença e permanência:
(Um longo silêncio.)
– Mas você tem amigos.
(Um longo silêncio.)
Você tem muitos amigos.
O que você oferece aos seus amigos para torná-los tão solidários?
(Um longo silêncio.)
O que você oferece aos seus amigos te apoiem tanto?
(Um longo silêncio.)
O que você oferece?
(Silêncio)” (Kane, 2001, p. 205).
Kane opera com grande generosidade deixando livre a pessoa que lê para
determinar a duração referente às quantificações do silêncio, como silêncio
longo
ou
muito longo
. Que extensão é sugerida, ou determinada, pelo termo silêncio? E
mais: é possível entender essa indicação como um silêncio vocal, mas não
necessariamente, gestual ou de movimento, silêncio corporal. Se a pessoa
assumindo a função de
lighting designer
estiver trabalhando com um diretor
familiarizado com a pesquisa de Lehmann, há grande possibilidade de que surjam
observações desse autor nos debates:
Não pode ser reduzido a um efeito meramente visual externo. Quando o
movimento físico é desacelerado a tal ponto que o próprio tempo de seu
desenvolvimento parece ser ampliado como através de uma lupa, o
próprio corpo fica inevitavelmente exposto em sua concretude. Ele está
sendo ampliado através das lentes de um observador e é
simultaneamente “cortado” do
continuum
tempo-espaço como um
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objeto de arte. Ao mesmo tempo, o aparelho motor é alienado: cada ação
(andar, levantar-se, levantar-se e sentar-se) permanece reconhecível,
mas é alterada, como nunca visto (Lehmann, 2006, p. 164).
O corpo tornado radicalmente concreto tem o poder de revelar mais do que
mera aparência externa. Ele funda a noção de lugar teatral, o que pode expor
lacerações internas, subjetivas do ser. A luz assume papel num contexto que lhe
pertence: é o seu domínio iluminar, ou, revelar visualmente.
O silêncio mencionado no texto, de duração desconhecida, pode representar
excelente tema de pesquisa para o/a
designer
. Pesquisa diferente daquela que se
processa em busca de respostas para problemas teóricos. Trata-se da busca de
imagens, da sucessão de imagens visuais fisicalizadas, que serão inscritas
dinamicamente no tempo ficcional-teatral. Não existem “coelhos para serem
tirados da cartola”. Em outras palavras, não há respostas prontas, mas, sim,
questões específicas. Truques de fumaça podem não ter nenhum valor nessas
imagens.
Gobos
7 digitais que se aglomeram, circulam e/ou se contorcem podem
não contribuir. Cores que estão ‘sendo muito usadas’ podem até continuar a ser
usadas, mas, em outros casos. Ou seja, não há saídas prontas. Há problemas
específicos de
design
(Tudella, 2017).
Numa provável
performance
, as imagens visuais fisicalizadas contribuirão
para suscitar questionamentos diversificados. Avançando no texto observa-se que
a autora tomou uma decisão visual, gráfica, fazendo seu texto operar também
como imagem visual fisicalizada: após o diálogo inicial ela divide a página com uma
linha, marca com um traço que pode indicar o fim de um fragmento e o início de
outro, o que pode sugerir diversidade de lugares e tempos. Quem é a pessoa que
na abertura permanece em silêncio e onde ela está? Ela existe, está fisicalizada na
ação
A seguir, e separado pela linha incisivamente traçada, percebe-se um
desdobramento de imagens verbais que misturam a descrição figurativa de um
lugar, com toques de fantasia:
7 No projeto de iluminação de teatro, um "gobo" (provável forma abreviada de “
go b
efore
o
ptics) "instalado
antes do conjunto óptico original do instrumento) é um dispositivo/acessório usado para projetar
padrões/imagens em um palco ou outras superfícies. É essencialmente um estêncil ou máscara colocada
na frente de uma luminária para controlar a forma e a textura da luz que ela emite.
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Uma consciência consolidada reside em um salão de banquetes escuro
perto do teto de uma mente cujo chão muda como dez mil baratas
quando um raio de luz entra, enquanto todos os pensamentos se unem
em um instante de acordo, o corpo não é mais expulsivo, pois as baratas
compreendem uma verdade que ninguém alguma vez pronuncia [...]
(Kane, 2001, p. 205).
A pessoa responsável pelo
lighting design
encontrará nesse fragmento muitas
questões, possibilidades e provocações. A autora mergulhou num modo de
pensamento visual; os aspectos poéticos da construção literária podem se
misturar às imagens verbais latentes nas palavras. Difícil de determinar, e talvez
não importante, onde reside o acento ou a relevância: na elaboração poética e
verbal, ou nas imagens visuais. Há um desafio: o salão de banquete às escuras,
universo de elevada provocação visual.
Além disso, o salão está próximo do teto de uma mente, cujo chão lembra o
movimento de 10 mil baratas. Por que baratas? Qual a relação entre a pessoa que
narra e as baratas? O ambiente escurecido é bruscamente invadido por um feixe
de luz que pode conectar pensamento, corpo e baratas. Contudo, já no salão
escurecido era possível ver o movimento das baratas e identificar o próprio salão.
A intensa luz, entretanto, rompe a escuridão - ou a penumbra? Pragas, trevas, luz
e revelação; sugere atmosfera mítica, mística e até bíblica.
As questões se avolumam. Se, num espetáculo provocado pelo texto de Kane,
artistas decidirem fisicalizar aquela mente particular na qual se instalaria o
movimento das baratas, respondendo à provocação originada pelo diálogo que
antecede á referida descrição, a fantasia gerada por uma imagem verbal pode levar
o
spectatór
a incorporar plausibilidade em qualquer ação (incluindo sons, palavras,
diálogos) que seja apresentada ou representada. Portanto, o fio condutor na
unidade do discurso será uma fantasia visual, uma espécie de norteamento para
o jogo proposto pela
performance
. Assim, tudo será validado no contexto dessa
fantasia. Ou seja, o que é possível num lugar como esse?
Aliás, um diretor pode também considerar o fragmentado texto como um
conjunto de
estados
da pessoa fisicalizada na ação. Tanto esses fragmentos
quanto o
estado
da pessoa
, podem estar vinculados aos
estados de imagem
mencionados por Lehmann quando ele relaciona o teatro com a elaboração de
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imagens, em uma pintura cujo processo de pintar é invisível ao
spectátor
, ao
observador: “O teatro aqui mostra menos uma sucessão, um desenvolvimento de
uma história, e mais um envolvimento de estados internos e externos” (Lehmann,
2006, p. 68). Às 4h48 uma depressão visita (quem?) (Kane, 2001). Simultaneamente,
todavia, surge a sanidade (Kane, 2001). É possível estabelecer contraste entre os
momentos (estados) em que a pessoa com depressão incorpora diferentes formas
de pensar o mundo e sobre si mesma, e aqueles em que a mesma pessoa está se
comportando, como na segunda ocorrência das 4h48, sob as regras de
sanidade
?
Afinal, há um momento no qual se lê: “Estou vendo coisas | Estou ouvindo
coisas | Não sei quem eu sou [...]” (Kane, 2001, p. 225). Aqui a autora pode estar
apontando para imagens inscritas ao longo do texto. Há muitos, além dos já
mencionados, que invocam o interior de uma mente: “Vou me afogar na disforia |
no lago negro e frio de mim mesmo | o poço da minha mente imaterial [...]” (Kane,
2001, p. 213). Ou seja, para compreender o que pode ser lido e vislumbrado em:
“[...]
Estou vendo coisas
”, vale começar por um olhar apurado que sublinhe as
imagens mentais e encare o desafio de incorporar, como exemplo, o lago negro e
frio, alojado no poço de uma mente desprovida de matéria.
Ainda, e não menos relevante, é mister sublinhar as dezenas de referências
específicas à luz e à iluminação, como já mencionado, incluindo escuridão, visão,
olho, vista, noite, cor, dia, brilho e hora. Quando o substantivo luz é particularmente
considerado, certos períodos chamam a atenção: “Lembre-se da luz e acredite na
luz” (Kane, 2001, p.206). “A escotilha se abre | Luz forte (Kane, 2001, p. 225). Tais
invocações da luz estabelecem vínculos com a fé e a verdade, mas também com
o aprisionamento e a violência, acentuando situações que se repetem ao longo do
texto. Vale citar também as inúmeras referências à Bíblia, entre aquelas que
citadas a seguir, para aproximar a pessoa que lê das imagens que ardiam na
mente da autora: “[...] acontecerá [...]” (Kane, 2001, p.228). Há outro exemplo,
também evocando a escuridão: “[...] Eis a luz do desespero | o brilho da angústia |
e sereis levados às trevas [...]” (Kane, 2001, p. 228).
Ampliam-se momentos de grande provocação imagética para o
lighting
design
: “Tive visões de Deus” (2001, p. 228). Deus, cuja invocação é repetida sete
vezes, aliás, número presente também nas menções aos exames a que são
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submetidos pacientes com enfermidades mentais, para observar graus de
concentração e memória. Como se não bastasse, vale destacar o modo visual que
norteia o construto do texto, a disposição especial das palavras como interferência
visual na própria página, que pode ser vista no exemplo abaixo:
A escotilha abre
Luz forte
Uma mesa, duas cadeiras e sem janelas
Aqui estou
e lá está meu corpo
dançando no vidro [...] (Kane, 2001, p. 230).
Dada a situação (ou acontecimentos que orientam o texto), esse fragmento
pode sugerir ou indicar psicose, entrelaçada com a elaboração de imagens visuais:
a escotilha (uma porta, uma entrada ou saída?) leva a um ambiente duramente
exposto pela rigidez, pela crueza da iluminação. Isolados, mesa e cadeiras. Quem
ali permanece encontra-se alienado do exterior, já que não há janelas.
Para a pessoa que narra, a vida encarna a sensação de corpo dançante
disposto sobre uma superfície que pode ser fria, escorregadia, cortante,
delicadamente perigosa e assim por diante. Insegurança, desespero, incerteza,
solidão, dor e angústia reunidos num pequeno, mas, grávido de logos visual,
fragmento, O/A
lighting designer
poderia tentar fazer com que o spectátor fosse
capaz de perceber o intervalo, um espaço vazio ou o silêncio expresso
graficamente na próxima página.
Esta breve abordagem se refere ao texto verbalmente impresso como
exemplo de provocação visual. Numa
performance
, tal categoria de observações
poderia desempenhar papel crucial na elaboração do ponto de vista de um/a
designer. Confrontando com aquele da pessoa, ou grupo de pessoas que o realiza,
este processo poderá contribuir para um conceito que sustentará o projeto de
iluminação (Cf. Watson, 1990, p. 8). Observe-se, portanto, a possibilidade de
estabelecer os ambientes em que as situações e os fragmentos ocorrem. Afinal,
Kane permeou seu texto com diversas instâncias de luz e iluminação, abrindo rotas
para abordagens diversificadas. O acontecimento teatral dele originado,
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integralmente ou em fragmentos, dá aos artistas envolvidos a oportunidade de
incorporar logos visual diferenciado.
Observa-se, portanto, que a partir das considerações críticas de Hans-Thies
Lehmann, passando pela obra de um diretor que ele cita como expoente do teatro
pós-dramático, Robert (Bob) Wilson, e finalizando com o texto de uma autora que
recentemente gerou burburinho como novidade extrema. Sarah Kane, cujo
trabalho foi endossado pelo pensamento teatral de Lehmann, a interação entre
cena e contexto visual se confirma intensa (Tudella, 2017).
O movimento em
Os cegos
de Maerterlinck
Contribuindo para a discussão do tema central neste artigo, ou seja, a
investigação de prováveis raízes visuais do teatro, proponho uma conexão que
pode parecer inusitada do ponto de vista cronológico. Observo tangências com
Maurice Maeterlinck, em cuja obra vislumbro movimentos da expressão visual na
pulsação do teatro. Vale destacar o texto de Maeterlinck mencionando seu teatro
estático (
drama statique
), na condição de corporificação da imagem na práxis
teatral. Imagem aqui observada para além do registro e reprodução efetivados
pelos atuais meios analógicos e eletroeletrônico-digitais, e considerar imagens
primevas
presentes na ancestralidade espetacular.
Pode-se dizer que Maeterlinck foi um autor atípico, incomum, tendo recebido
o Prêmio Nobel de Literatura em 1911:
[...] na apreciação das suas múltiplas atividades literárias, e especialmente
das suas obras dramáticas que se distinguem por uma riqueza de
imaginação e por uma fantasia poética que revela, por vezes sob a forma
de um conto de fadas, uma profunda inspiração, ao mesmo tempo que
apelam de forma misteriosa aos próprios sentimentos dos leitores e
estimulam a sua imaginação (Nobel, 2012, p. 1).
O tratamento dramatúrgico apresentado por Maeterlinck impressionou Peter
Szondi (2011), que o considerou responsável por um novo rumo no drama. Szondi
menciona as notas iniciais de Os cegos [
Les Aveugles
, (1890)] nas quais o
dramaturgo
pinta
aquela que pode ser considerada a imagem ‘zero’ da obra,
melhor, uma espécie de suspensão imagética onde se revela o logos visual inscrito
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numa peça. A extensão da imagem criada por Maeterlinck, da qual Szondi
menciona fragmentos, está repleta de provocações que remetem à luz:
Uma floresta do norte, muito antiga, de aparência eterna, sob um céu
brilhantemente estrelado. No centro, e de frente para as profundezas da
noite, está sentado um padre muito velho, envolto numa grande capa
preta. Suas costas e cabeça, ligeiramente voltadas para cima e
mortalmente imóveis, repousam no tronco de um enorme e imenso
carvalho. O rosto tem uma lividez imutável de cera, onde os lábios roxos
estão entreabertos. Olhos mudos e fixos não olham mais para o lado
visível da eternidade e parecem ensanguentados sob um grande volume
de dores e lágrimas antigas. Os cabelos, de uma brancura grave, caem
em mechas duras e raras no rosto mais iluminado e mais cansado que
tudo ao seu redor, no silêncio atento da mesma floresta. Mãos finas estão
rigidamente presas às coxas. À direita, seis velhos cegos estão sentados
em pedras, tocos mortos e folhas. À esquerda e separadas deles por uma
árvore arrancada e pedaços de pedra, seis mulheres, também cegas,
estão sentadas diante dos velhos. Três delas oram e lamentam com voz
surda e quebrada. Outra é muito idosa. A quinta, numa atitude de
demência muda, tem uma criança adormecida sobre os joelhos. A sexta
é uma jovem luminosa, cujos cabelos inundam todo o seu ser. Elas, como
os velhos, usam roupas largas, escuras e uniformes. A maioria espera,
cotovelos apoiados nos joelhos, rosto entre as mãos; e parecem ter
perdido o hábito do gesto inútil e já não voltam a cabeça para os
murmúrios abafados da ilha. Grandes árvores sepulcrais, teixos,
salgueiros, ciprestes, cobrem-nos com as suas sombras fiéis. Um tufo de
asfódelo longo e doente floresce perto do padre durante a noite. Há uma
escuridão profunda, apesar do brilho da lua, que aqui e ali, tenta tirar, por
um momento, a escuridão da folhagem (Maeterlinck, 1890, p. 75-76).
Ewald Hackler, em seu artigo não publicado que trata de tangências entre
Maeterlinck e Samuel Beckett (1906-1989), enfatiza a especificidade dramatúrgica
da qual o texto
Os cegos
está impregnado. Segundo Hackler (1983, p. 25), a peça
não inclui um “enredo”: “[...] o guia de um grupo de cegos, um padre, havia morrido
durante uma excursão pela floresta; os cegos sentam-se ao redor do padre morto
e aguardam seu retorno” Hackler (1983) estabelece uma primeira comparação
entre Maeterlinck e Beckett apontando a semelhança com
Waiting for Godot
(1948/1949): “[...] a categoria da ação, no drama, é substituída pela categoria da
situação, pela descrição da condição” (Hackler,1983, p. 25). E complementa a
observação: “O drama como espaço tradicional de ação perdeu sua função original.
Les aveugles
não é mais drama, no sentido grego de dran (δρᾶ
μ
α - se é verdade
que esta palavra é de fato a origem do substantivo 'ação')" (Hackler, 1983, p. 25).
Há uma sugestão implícita da raiz daquilo que seria chamado
teatro do absurdo
.
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Szondi, por sua vez, comenta discursos que caminham paralelamente no
texto ou mesmo em sentido contrário, num ‘diálogo’ que descaracteriza a
reconhecida condição do drama, como pode ser lido no trecho abaixo:
Terceiro Cego – É hora de voltar para o asilo.
Primeiro Cego – Precisamos saber onde estamos.
Segundo Cego – Esfriou desde sua saída
(Maeterlinck, 1890, p. 77).
Maeterlinck incorporou precisas imagens verbais no seu diálogo fragmentado
– se pudermos chamar seu texto de diálogo, interrompido pelos sons da ilha. Há
uma espécie de presença-ausência incorporada na imobilidade, pois o único que
poderia enxergar e guiar o grupo é agora um cadáver. E mesmo os cegos que estão
juntos há anos, não se conhecem. Resta esperar por alguém que permanecerá
ausente, pois apesar de muito próximo e no centro da situação, o sacerdote está
imerso no silêncio e na imobilidade da morte. O lamento expresso na oração de
três cegas estabelece a atmosfera sonora que se revela um aspecto essencial da
situação, instalada na escuridão de uma floresta de árvores sepulcrais, situada
numa ilha (Tudella, 2013).
O corpo de um velho morto expressa a força visual da imobilidade que faz
avançar a
invisível
intriga no diálogo. As posturas podem ser observadas como
racionamento da ação física, e a profundidade do som
mudo e surdo
é amplificado
na morte, projetada a partir dos lábios roxos de um rosto inerte, numa espécie de
ritual ou cerimônia. afirma: “Tudo isto diz finalmente que as
dramatis personae
estão longe de ser agentes causais ou sujeitos de uma ação. Eles são
simplesmente
objetos
de uma ação” (Szondi, 2011, p. 221). Objetos para serem
vistos.
A categorização de
teatro estático
pode ser compreendida uma vez que a
situação
criada por Maeterlinck não parece conter ou empreender ação dramática.
Segundo Hackler (1983, p. 25), como em outras obras da fase inicial de sua
dramaturgia, Maeterlinck concebe uma peça cujo caráter musical parece
sobreposto à finalidade visual. É uma espécie de paradoxo já que o teatro foi
concebido como arte para se ver. Na sua primeira tentativa de romper o limite
imposto pela ausência da visão, o Primeiro Cego nada mais faz além de levantar-
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se e tatear. Logo depois, ao tentar dar um passo, tropeça, cai e diz: “Há alguma
coisa entre nós [...]8” (Maeterlinck, 1890, p. 78). Entre ele e seu “interlocutor”
solidifica-se uma barreira imensurável, construída pela cegueira que define a
extensão do mundo até o limite do gesto, no corpo imóvel. A peça inscreve-se
visualmente através de acontecimentos nos quais a incapacidade de ver projeta o
extremo da situação.
Hackler cita ainda a análise de Max Dvořák (1874-1921) para a pintura
A Queda
do Cego
(
Der blindensturz
, 1568), de Pieter Bruegel, o Velho (1525-1569):
A natureza é indiferente [...]. Em algum lugar uns pobres cegos foram
vítimas de um acidente... Ninguém vai prestar atenção [...] Mas o que pode
parecer um acaso, um acontecimento único, temporal e espacialmente
limitado, encarna o destino do qual ninguém pode escapar e ao qual toda
a humanidade está cegamente] (Dvořák apud Hackler, 1983, p. 29).
Bruegel deixou-se provocar pela parábola da contaminação escrita pelo
evangelista Mateus (15,1-20), a partir da qual ele questiona a atitude dos cegos que,
guiados por outros cegos, correm o risco de cair no próximo abismo. Na versão
apresentada pela pintura de Bruegel, o primeiro cego que guiava seus
companheiros de viagem acaba de cair e levará inevitavelmente os demais
consigo. O ambiente inclui uma igreja ao fundo. Estaria ele dizendo que nem
mesmo a proximidade com Deus impedirá a queda do ser humano, incapaz de
enxergar o próprio caminho e seguindo um guia morto?
Maeterlinck, por sua vez, encarcera
Os Cegos
no isolamento de uma ilha
escura e traz ao palco um cão que pode ver e escolher seu caminho e lugar no
mundo. O ser humano, todavia, está preso na impotência e na ignorância. Hackler
sugere correspondências entre o teatro simbolista e o teatro do absurdo ou,
melhor, entre Maeterlinck e Beckett, sublinhando o que chama de
princípio
artístico da contração
, caracterizado pela exclusão de tudo o que não é essencial
à situação. Ele também acentua a passividade e destaca a estratégica dialética de
Maeterlinck, que pinta a humanidade imersa no isolamento mortal de um infinito
vazio, cujo destino é a morte. Como define Hackler, há um retrato terrível e exato
daquilo no que o ser humano moderno se tornou, como visto em
Esperando
8 There is something between us (Tradução nossa)
A
práxis
teatral e suas raízes visuais: Kane, Maeterlinck e o pós-dramático
Eduardo Tudella
Florianópolis, v.4, n.49, p.1-27, dez. 2023
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Godot
, onde não se reconhece uma pessoa e, se há dois nomes como Estragron
e Vladimir (Tudella, 2013), pode-se incorporar certa variação tragicômica de Pozzo
e Bozzo. Seria a humanidade pós-moderna a expressão da mais apurada
excelência? Traços de isolamento, de passividade, de ignorância, de deformação,
de embrutecimento, de romantização, de desequilíbrio, apontam para o
desaparecimento da cultura e, sucessivamente, da espécie humana?
Aspectos conclusivos
Qualquer pessoa pode
iluminar
uma situação do modo que considera
adequado. Contudo, se investigarmos a dramaturgia como problematização visual,
surge uma questão: que iluminação pode interagir com as imagens verbais
elaboradas por Maeterlinck? Ou, vale desconsiderar tal questão e
desenhar a
própria luz
, alcançando o poder quase divino da criação, correndo o risco de tentar
inventar algo que já existe, que já se encontra na dramaturgia? Por outro lado,
mesmo quando o/a
lighting designer
exerce liberdade para analisar
cuidadosamente as imagens verbais elaboradas por Maeterlinck, no momento da
criação da situação cada artista deve incluir sua própria
marca
– ou
kharakter
, em
grego. Esta marca será efetivada caso o/a
lighting designer
introduza variáveis
visualmente relevantes na interação com o logos de cada obra teatral.
Mesmo diante de uma situação extrema que ocorre no mais profundo da
noite, numa floresta na qual cegos e cegas dependem de um cadáver para se
manterem vivos, há uma presença forte que está ali para ver os acontecimentos:
o
spectátor
. A
praxis
teatral inscreve-se pela força visual de uma situação em que,
sendo o único que pode
ver
, o
spectátor
ganha imenso poder. Tal poder só será
afetado através da luz e da iluminação, através da imagem teatral em todas as
suas expressões: sonora, musical, verbal, visual, mental ou fisicalizada na cena.
Em vez de impor conclusões fechadas e fixar um discurso, parece possível
sugerir a abertura do olhar, envolvendo todo o corpo para incluir o coração e a
mente na observação do teatro como profunda expressão e comunicação visual
humana. Isto não sugere apenas emoção, mas também sentimento, não somente
sensação, mais também percepção (inserindo a compreensão neurocientífica).
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A atenção e a investigação da cena, com a interação de meandros do
pensamento teórico com a práxis visual, pode promover educação de artistas,
contribuindo para a simplicidade da arte teatral, libertada da imposição de
idiossincrasias que apagam o interesse do teatro na discussão da condição
humana.
Referências
FUCHS, Elinor. Review postdramatic theatre,
TDR: The drama review
52(2): 178–
183. Cambridge: Cambridge University Press, 2008.
JURS-MUNBY, Karen. Introduction. In: LEHMANN, H-T.
Postdramatic theatre
.
London: Routledge, 2006. p. 1-15.
HACKLER, Ewald.
O teatro pioneiro de Maurice Maeterlinck
. (não publicado).
KANE, Sarah.
Complete plays
. London: Methuen, 2001.
LEHMANN, H. -T.
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. Translated by Karen Jurs-Munby. London:
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MAETERLINCK, M.
L’Intruse; Les aveugles
. 3rd. Bruxelas: Paul Lacomblez, 1890.
MAETERLINCK, M.
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https://www.gutenberg.org/ebooks/4511, 2023, 07, 22.
SZONDI, Peter. Teoria do drama moderno. [1880-1950]. São Paulo: Cosac & Naify.
2011.
THE NOBEL PRIZE IN LITERATURE 1911
. NobelPrize.org. Nobel Prize Outreach
AB 2023. Tue. 7 Nov. 2023. https://www.nobelprize.org/prizes/literature/1911/summary/
TUDELLA, Eduardo.
Práxis cênica como articulação de visualidade:
a luz na gênese
do espetáculo. Tese (Doutorado em Artes Cênicas) – Universidade Federal da
Bahia, Salvador, 2013.
TUDELLA, Eduardo.
A luz na gênese do espetáculo [online].
Salvador: EDUFBA, 2017.
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WATSON, Lee.
Lighting design handbook
. New York: McGraw-Hill, Inc., 1990.
Recebido em: 22/11/23
Aprovado em: 23/11/23
Universidade do Estado de Santa Catarina
–
UDESC
Programa de Pós-Graduação em Teatro
–
PPGT
Centro de Arte – CEART
Urdimento
– Revista de Estudos em Artes Cênicas
Urdimento.ceart@udesc.br
