Revista del área de Arte Educación vinculado al Programa de Post Graduación en Artes Visuales, del Centro de Artes, Diseño y Moda de la Universidad Estadual de Santa Catarina (Udesc). ISSN: 2447-1267 Frecuencia: Publicación continua Año de creación: 2015
Universidade do Estado de Santa Catarina
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La filosofía del gesto creador en Paul Valéry
Este texto se propone investigar, en la obra de Paul Valéry, la concepción de una filosofía del gesto creador, o, más precisamente, comprender cómo – a través de los movimientos productores de la sensibilidad humana, desde su caracterización general como respuesta o reacción inconsciente hasta aquella en la que la conciencia, en una condición elevada de vigilia, desarrolla la capacidad de componer acciones complejas, según la comprensión del autor – se da, en su pensamiento, la conducta estética creadora. Para ello, se tiene como objetivo el análisis de parte de la obra Cours de Poétique, sobre todo de las primeras lecciones contenidas en el primer volumen, referentes al período de 1937 a 1940. De este modo, se buscará vislumbrar y delinear el pensamiento de la creación según los presupuestos y preceptos valerianos.
Derechos de autor 2026 Letícia Testa, Máximo Daniel Lamela Adó https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Abrir los ojos: el Grafismo Infantil a partir de la recolección de materiales alternativos
El presente ensayo presenta los resultados de un estudio de caso desarrollado en la asignatura de Artes Visuales y Grafismo Infantil, impartida en la segunda fase del curso de Licenciatura em Artes Visuais de la Universidade do Estado de Santa Catarina (UDESC). El texto reflexiona sobre cómo diferentes propuestas pedagógicas influyen en la producción gráfica de un niño de 10 años, evidenciando los contrastes entre esquemas habituales del dibujo infantil y procesos más cuidadosos de observación y experimentación. La discusión está atravesada por los conceptos de colectas y de escena pedagógica, comprendidos como prácticas organizativas que articulan la percepción y la experiencia estética de los materiales, en diálogo con Cunha (2021), Silva (2017; 2022), Lima y Lampert (2023) y Albers (2006).
Derechos de autor 2026 Maria Fernanda Elias , Tharciana Goulart da Silva https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Azul Revelado: diálogos entre cianotipia, procesos creativos y aprendizaje
Este relato presenta la experiencia de utilizar la cianotipia como herramienta pedagógica alternativa en la enseñanza de Artes Visuales, explorando su potencial para favorecer el proceso creativo y ampliar las posibilidades expresivas de los estudiantes. La propuesta se desarrolló en el marco de un Máster Profesional en Prácticas de Educación Básica, articulando arte, ciencia y naturaleza de forma poética y experimental. La experiencia se dividió en dos etapas: la aplicación de un producto educativo centrado en el tema de la identidad, y un taller inspirado en la trayectoria de la botánica Anna Atkins (1799–1871), pionera de la fotografía. Los resultados evidencian que la cianotipia, al unir el rigor científico con la práctica artística, estimula la curiosidad, la sensibilidad y la autonomía de los alumnos. La técnica se reveló no solo como contenido de enseñanza, sino como una forma de pensar y vivir el arte de manera significativa, transformando la luz, el tiempo y la mirada en lenguaje, creación y aprendizaje.
Derechos de autor 2026 Andiara Lourenco, Francisco Roberto Pinto Mattos https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Estudios temporales: la residencia artística como espacio de creación
Este artículo analiza iniciativas de residencias artísticas que apoyan el desarrollo de proyectos e investigaciones sobre las poéticas visuales de artistas. Proponemos reflexionar sobre los espacios creativos de las residencias artísticas como estudios temporales, entendidos como lugares de encuentro y diálogo entre artistas, críticos y curadores. Inicialmente, abordamos las estrategias detrás de la creación de Bolsa Pampulha (MG) y la Bolsa Produção para Artes Visuais (PR), considerando que se trataba de proyectos realizados en centros urbanos a través de instituciones culturales. Posteriormente, analisamos la experiencia de los proyectos Residência Sergius Erdelyi y Residência Fim do Mundo, que se llevaron a cabo fuera de las ciudades, con el objetivo de brindar una experiencia inmersiva que involucre la participación comunitaria y las memorias locales como parte del proceso.
Derechos de autor 2026 Milena Costa de Souza, Mariana Bernal https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
El taller como territorio de escucha y pensamiento cromático: Reflexiones teórico-prácticas sobre el color y el taller como lugar de reinscripción simbólica
El presente artículo reflexiona sobre el proceso artístico en curso dentro de la investigación Kairos Babel, integrada en el Doctorado en Pintura de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Lisboa. Centrado en la práctica pictórica, el estudio aborda el taller como un territorio de escucha y pensamiento cromático, en el que el gesto, el color y la materia se articulan como modos de conocimiento. A partir de la observación empírica del espacio de trabajo -considerado simultáneamente lugar físico y dispositivo conceptual -, la investigación explora cómo las condiciones cromáticas, materiales y simbólicas del taller influyen en la construcción de la imagen y en la experiencia perceptiva. Apoyándose en referentes teóricos como Josef Albers, Norman Bryson, Barbara Bolt y Maurice Merleau-Ponty, la reflexión propone el taller como un campo performativo de aprendizaje, donde el saber surge de la acción, la experimentación y el error. El texto analiza asimismo el uso del color rosa como eje cromático y simbólico, relacionándolo con los conceptos de poiesis, “no-lugar” y reinscripción simbólica. Así, se sostiene que la práctica pictórica, al entrelazar experiencia, memoria, materia y color, constituye una forma de pensamiento visual situado y un proceso de reinscripción identitaria.
Derechos de autor 2026 Vera Fonseca https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Lugares destinados a la creación artística, comúnmente, convergen existencias y proyecciones; nos permiten ver, como un espacio muestral, hechos y posibilidades y, sobre todo, contienen ansiedades, deseos y urgencias que atraviesan y contaminan el pensamiento del artista. En este sentido, consistente en propuestas artísticas realizadas durante los años 2020 y 2021, período en el que, aislados, sobrevivimos a los días más duros de la pandemia del coronavirus, el presente ensayo visual piensa el ambiente doméstico como laboratorio de investigación, los procesos artísticos como experimentos y el cuerpo humano como objeto de estudio y análisis. De esta manera, presenta un conjunto de obras que, guiadas por la práctica fotográfica y en diálogo con el universo imaginario de las ciencias de laboratório médico, drena las angustias y reflexiones que surgieron en ese contexto – en el que el mantenimiento de la vida estaba condicionado al aislamiento social y las pérdidas humanas se transmutaban en estadísticas, números fríos casi desprendidos de cualquier rastro de humanidad; sujetos transformados en objetos. “cuerpo de estudios, objetos de análisis” registra, por lo tanto, un corte de investigación poética; muestras de una práctica asociada a un tiempo y un lugar específicos, un cuerpo y algunos miedos.
Derechos de autor 2026 Henrique Walter Ribeiro, Rebeca Lenize Stumm https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Ver arte desde el taller: la inseparabilidad entre el proceso artístico, el lugar de creación y el significado
Este artículo busca profundizar la investigación sobre los procesos artísticos desde un enfoque que se centra en el espacio de creación —los talleres— en su múltiple acepción, para alcanzar capas de significado que pueden reconocerse en las obras finalizadas en un entorno expositivo. Para ello, se realizó un estudio de caso del proceso de Rodrigo Dulcio, artista de la generación 2000, escultor y dibujante residente en Curitiba/PR/BR. El enfoque metodológico de este estudio fue el proporcionado por los movimientos de acercamiento y distanciamiento del espacio del taller y del proceso creativo. Este enfoque permitió una inmersión en el proceso creativo y una visión panorámica del mismo en relación con el campo artístico local. Para ello, se adoptó un marco teórico que buscaba comprender la experiencia del espacio de creación a partir de John Dewey y el proceso creativo como habitus de un campo, a partir de Pierre Bourdieu. De este modo, fue posible verificar cuánto el lugar de creación está imbricado en el proceso creativo y cuánto esta imbricación aclara las relaciones entre las poéticas de los artistas de la misma generación con las de sus predecesores locales y la historia del arte.
Derechos de autor 2026 Lilian Hollanda Gassen https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Hacer-sentir-pensar con hilos y tramas: una propuesta de investigación educativa en arte
La presente investigación educativa en arte tiene como objetivo general crear espacios pedagógicos para el encuentro, la experimentación, el pensamiento y la invención con lenguajes artísticos, en particular, con el textil contemporáneo y tradicional. Desde el 2013, el Taller de Telares ubicado en la Licenciatura en Cultura y Arte de la Universidad de Guanajuato, institución en la cual actuamos, se caracterizó como un lugar propiciador de experiencias para hacer-sentir-pensar utilizando hilos y tramas. En este texto, buscamos presentar algunos procesos de trabajo, las posibilidades metodológicas y los caminos reflexivos que hemos observado/encontrado en la práctica docente y artística realizada con estudiantes que cursaron el taller. Indagamos sobre cómo el trabajo con procesos de producción artística, que conlleva el desarrollo de saberes, habilidades y competencias sensibles en arte, fueron resignificados por las y los jóvenes universitarios en sus proyectos personales y colectivos de producción textil.
Derechos de autor 2026 Vanessa Freitag, Miguel Ángel Arce Ortega https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Este ensayo presenta algunas notas sobre la experiencia inteligente con el Plan de Enseñanza Paula Rego: Dar una Cara al Miedo, ofrecido en el curso de licenciatura e impartido por la profesora doctora Jociele Lampert como requisito parcial para la Práctica Docente I del Programa de Posgrado en Artes Visuales/Doctorado en el área de concentración Enseñanza de las Artes Visuales, en el segundo semestre de 2022, basado en John Dewey en el libro Naturaleza humana y conducta, que destaca las costumbres y sus influencias desfavorables en las creencias, emociones y propósitos relacionados con la moral. Concretamente, esto lleva a una separación entre el hábito y el pensamiento. En esta obra, Dewey afirma que los pensamientos alimentan pensamientos y no acciones en este proceso de separación. En consecuencia, los métodos actuales en educación multiplican una democracia de oportunidades imitativa al no crear condiciones para pensamientos funcionales. Y el arte, en este sentido, se empobrece al menospreciar el valor moral de las artes. Sin embargo, al propiciar una enseñanza en el arte deliberativo de las energías, con una armonización de formas constructivas, el camino investigativo en la enseñanza de la pintura se vale de un sentido moral con la perspectiva de posibilitar que las habilidades prácticas conduzcan al ejercicio del pensamiento en una experiencia inteligente.
Derechos de autor 2026 Jaci Aico Kussakawa, José Carlos da Rocha https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Cuaderno Taller Entrelazamientos entre Arte y Vida
Este artículo relata la trayectoria de una investigación que concibe el cuaderno de planificación docente como un dispositivo de creación artística y autoría pedagógica. Partiendo de su función original de organización, el objeto se transforma en un territorio de experimentación estética y reflexión crítica, donde la planificación pedagogica y la investigación artística coexisten orgánicamente: el Cuaderno Taller. El fundamento teórico articula la noción de planificación de Madalena Freire (1983), el Enfoque Triangular de Ana Mae Barbosa (1998) con sus ejes de conocer, reflexionar y producir, y la filosofía del arte como experiencia de John Dewey (2010), que concibe lo cotidiano como materia prima del hacer artístico y educativo. El pensamiento avanza en diálogo con la “escrevivência” de Conceição Evaristo y la curaduría de Koyo Kouoh, quienes valoran las narrativas en “tonos menores” y la potencia estética de lo ordinario. El análisis del recorrido, documentado a lo largo de dos décadas, demuestra cómo el Cuaderno Taller se convierte en un archivo vivo del proceso de enseñanza-aprendizaje, un laboratorio para estudios gráficos y cromáticos y, finalmente, la premisa para obras que desbordan sus páginas, como murales y telas. Se concluye que la práctica legitima al educador como productor de cultura y revela cómo lo extraordinario puede habitar en lo ordinario, invitando a revisar los propios registros cotidianos como actos de insurgencia poética y autoría.
Derechos de autor 2026 Fernanda Werneck, Jociele Lampert https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Cuando la historia es buena, la verdad es irrelevante: Entrevista con Emmanuel Nassar
La presente entrevista con Emmanuel Nassar aborda su trayectoria artística, sus procesos de creación y sus reflexiones sobre la producción plástica, con énfasis en las relaciones cromáticas y en el uso de la ironía en su cuerpo de obras. El texto resulta de una serie de diálogos iniciados en agosto de 2025 y desarrollados a lo largo del mismo año entre ambos artistas. Inserta en una investigación dedicada al estudio del color y de la ironía, la entrevista plantea cuestiones que profundizan la comprensión del desarrollo cromático en la obra de Nassar, así como sus posibles conexiones con pensamientos, narrativas y circunstancias personales, especialmente en lo que respecta al empleo de la ironía en su práctica visual.
Derechos de autor 2026 Júlia Hallal, Marco Giannotti https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Exponer para enseñar: pedagogías culturales y la reconfiguración del campo del arte afrobrasileño (1988–2025)
Este artículo analiza cómo la producción de autoría negra ha venido ocupando territorio en el escenario del arte brasileño a partir del estudio comparativo de seis exposiciones colectivas dedicadas al arte afrobrasileño entre 1988 y 2025. Tomando como hito inicial A Mão Afro-Brasileira (1988), se investiga la transformación del campo mediante una base de datos estructurada con información sobre artistas (género, año de nacimiento, estado de origen y formación). El eje conceptual central es el de pedagogía cultural (Andrade; Costa), comprendida como el conjunto de prácticas y artefactos que producen aprendizajes, valores e imaginarios más allá de la escuela. En esta perspectiva, exposiciones y catálogos son entendidos como dispositivos formativos que enseñan modos de ver, interpretar y narrar la presencia negra en la historia del arte brasileño. El análisis dialoga además con Pierre Bourdieu, en la comprensión del campo artístico como espacio de disputas simbólicas, y con autoras como Linda Nochlin y Sueli Carneiro, al abordar desigualdades de género y raza. Los resultados indican tres tendencias curatoriales —histórica-genealógica, transición moderna y contemporánea—, evidenciando ampliación territorial, pluralización de género y consolidación académica. Se concluye que estas exposiciones no solo amplían visibilidades, sino que reconfiguran pedagógicamente los criterios de legitimación y memoria que estructuran el sistema artístico brasileño.
Derechos de autor 2026 Francione Oliveira Carvalho, José Albio Moreira de Sales https://creativecommons.org/licenses/by-nc/4.0
Movimento (Re)existência: poéticas de conscientização
El texto trata de acciones desarrolladas junto al Movimiento (Re) Existencia, que ocurrió en la Universidad Federal de Pelotas - UFPEL, en el período de octubre a diciembre de 2016, como forma de oposición a las alteraciones de las políticas educativas impetradas por el gobierno federal, a través de la Ley 13.415 de 16 de febrero de 2.017 (ex Medida Provisional 746/16). Cambios que interfirieron en el proceso de humanización de los sujetos y su relación con la educación de lo sensible, dentro y fuera del ambiente escolar. Las consideraciones y la evaluación realizadas realzan las luchas históricas en favor del mantenimiento de la enseñanza del arte en todos los niveles de formación, en el escenario nacional y local. El sesgo sigue la dimensión micropolítica de las prácticas cotidianas, enfatizando el papel del arte y de los artistas como agentes políticos de transformación.
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ATELIÊ DE PINTURA 1336: AULAS E EXPERIÊNCIAS
Entrevista com o professor e pintor Alphonsus Benetti, exclusiva e concedida para os autores.
Proposições artísticas e jogos similares.
O Ensaio Visual Proposições artísticas e jogos similares resulta da disciplina Sobre Ser Artista Professor ministrada pela Professora Dra. Jociele Lampert no Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais da Universidade do Estado de Santa Catarina – UDESC/CEART.
Sobre ser professor artista: possibilidades metodológicas para o ensinar e o fazer artístico
Este é um relato sobre as vivências da disciplina “Sobre Ser Professor Artista”, a qual articula teorias e práticas do ensino das artes, sobretudo, a partir do pensamento filosófico de Dewey. Em sua perspectiva, a educação é compreendida como um fazer artístico (e criativo) que abre espaço para o professor-artista. Assim, almeja-se apresentar a metodologia de ensino diferenciada que foi aplicada na disciplina, na expectativa que propostas transgressoras e ativas como essa possam despertar novas práticas pedagógicas e processos artísticos. A discussão perpassa as bases teóricas da disciplina, principalmente pela leitura contemporânea dos palestrantes convidados. Posteriormente, apresenta-se as experiências do ciclo de desafios, propostos como forma de instigar o pensamento reflexivo e a pesquisa por meio de práticas artísticas, conforme entende Sullivan (2005). Como principal aprendizado, ficou a concepção que a arte também é vida e o pensamento artístico e criativo fazem parte do cotidiano.
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Artista.Professora.Pesquisadora em continuum
Ser e Estar mergulhada em estados de criação tem sido há anos, uma escolha fundante. Invento ao mesmo tempo palavras, imagens e proposições artísticas. Nesse artigo recorto parte dessa produção e faço elos entre o Poema IX do livro de poemas Caracol é uma casa que se anda e Ações Performáticas – A Casa Vestida. O tema central, em ambos, é a CASA em sentido bastante ampliado. Dialogo com escritores, filósofos, artistas e arte educadores. Neles ancoro minhas inquietações e os modos de ativar miúdos do mundo para que virem formas potentes de arte em vidas acesas.
Este artigo pretende lançar algumas reflexões acerca dos processos de formação do professor-artista, tomando como perspectiva o conceito de desbravamento. Este conceito foi tramado a partir de explorações em lugares abandonados e, derivado de um projeto artístico, passou a fazer parte dos investimentos de pesquisa do autor. Neste sentido, o termo designado para a produção artística também ganhou forças para as questões teóricas, lançando vistas às saídas em busca da formação do professor de Artes Visuais pelos caminhos que compõem o professor-artista. Caminhos esses que ultrapassam os espaços formais de aprendizagem e nutrem-se da diversidade de ações realizadas ao longo dos processos de formação.
Este trabalho é um convite ao leitor para pensarmos juntos o movimento cultural hip-hop como forma de arte contemporânea e ferramenta de ensino e transformação social e os processos criativos do rap e os conceitos que envolvem suas construções, junto do seu possível deslocamento para campo da educação. É neste contexto que se apresenta o conceito que envolve o ato de Rimar-Educar-Pesquisar, articulando o rimador – aquele que cria música, realiza improvisos, versos e poemas, transmite a mensagem e também a recebe – o educador – aquele que ensina e aprende de forma conjunta, utiliza a pedagogia científica e empírica – e o pesquisador – aquele que utiliza-se de sua experiência, vai a campo, busca dar profundidade ao seu conhecimento, investiga, vasculha e coleta dados, através de leituras, entrevistas, e outras técnicas para buscar aquilo que precisa. Neste sentido se articula, através do hífen o Rimador-Educador-Pesquisador.
Perguntas, anotações [sob exercícios de escrita e escuta]
El presente texto fue escrito bajo el efecto de propuestas de ejercicios de escritura y escucha, y a partir de la reverberación de apuntes y reflexiones ocurridas durante y después del taller Laboratório Imersivo - Projeto TUBO DE ENSAIO, por mí conducido con Andrea Bardawil, en Florianópolis, en SESC-Cacupé, en 2015. El taller integró las actividades del Projeto TUBO DE ENSAIO - Composição [Interseções + Intervenções], coordinado por Sandra Meyer, Jussara Xavier y Vera Torres. De este modo, este texto desdobla reflexiones de un texto homónimo, publicado en el libro Tubo de ensaio: composição [Interseções + Intervenções] (2016), investigando algunas de sus preguntas e indicando otras reverberaciones de experiencias, las cuales intersectan mis procesos como artista, profesora e investigadora. Las anotaciones proponen diálogos con George Brecht, Yoko Ono, John Cage, Jorge Larrosa, Thierry Davila, Maurice Blanchot, David Le Breton, y otros autores.
Cy Twombly: Rabiscos, Manchas e Borrões.
O artigo discorre sobre algumas das características que compõem o desenho e a pintura; como essas duas linguagens se relacionam e onde se distinguem. O texto se apoia nos escritos de Roland Barthes em que o filósofo analisa as obras de Cy Twombly realizadas no período de 1961 a 1979 e no ensaio de Walter Benjamin que data de 1917, no qual o autor apresenta de maneira disjuntiva os elementos da pintura e os do desenho. As duas reflexões examinam aspectos como a mancha, o suporte, o traço, inscrições e grafismos. Barthes comenta sobre elementos que estão presentes nas pinturas de Twombly que poderiam ser tidos como exclusivos do vocabulário do desenho. A partir das abordagens apresentadas pelos dois filósofos, pretende-se promover um debate sobre essas duas linguagens, problematizar as especificidades de cada uma bem como refletir como essas características se mostram na arte mais recente.
Criação, Experiência E Compartilhamentos – O Ser E Estar Artista Professor.
Este ensaio inserido no debate em torno do tema “Artista Professor– ser e estar”, reúne diversas reflexões pessoais sobre o tema, considerando também a experiência deste pesquisador como ponto de partida. No cerne desta questão, a reflexão a ser desenvolvida deverá seguir o ser e estar deste artista/professor, indagando o que significa ser um e outro, ou apenas ser em tempo integral, sou ou estou artista/professor?
“Isto não é um cachimbo”: designares para um desenho e um ensino do Desenho emancipador
Este trabalho busca demonstrar e refletir sobre o Desenho e seu ensino desde compreensões de uma investigação Doutoral em Educação Artística na Universidade do Porto, Portugal, finalizada no ano de 2015. Além disso, discute sobre os métodos de pesquisa escolhidos em Arte/Educação Baseada nas Artes Visuais, de forma a contextualizar as plataformas metodológicas apropriadas para a problemática apresentada. No enfoque e na necessidade de interpretar o que vem a ser “saber desenhar” e “não saber desenhar”, que trago algumas considerações a partir de narrativas visuais no diário de bordo da referida pesquisa, (re)olhando para suas questões próprias, questionando os discursos e as práticas disseminados em cursos de licenciatura na atualidade. Por fim, sugero uma maior atenção para o Desenho e seu ensino na formação de professores de Artes Visuais no Brasil e em Portugal.
O desenho na formação do profissional professor
Partindo do pressuposto de que o desenho sempre trouxe apreensões no processo de ensino-aprendizagem, por estar associado à “técnica”, domínio e treino, objetivo, com este artigo, propor, por meio da descrição de um experienciar, uma alternativa criativa quanto ao ensino do desenho, de forma a contribuir na/para formação do professor. Nesse compartilhar de uma realização do curso de formação superior em Artes Visuais-licenciatura, o desenho entra tanto como entremeio de um processo, quanto em paralelo à pesquisa sobre anomalias de nascença ou adquiridas, contrapondo o conceito de belo estético que muitas vezes tem como característica essencial do percurso. Ainda, teço considerações teóricas sobre o espaço escolar, sobre o professor e seu protagonismo nas relações científicas e sociais na formação do sujeito, bem como sobre a contribuição significativa que essa linguagem pode para a percepção, reflexão e criatividade na relação aluno-realidade-arte.
Na superfície da areia o movimento efêmero do desenho
O texto aborda o desenho na superfície da areia observados em percursos estéticos realizados no Pontal da Daniela situado em Florianópolis, Santa Catarina. Em práticas artísticas pela orla da praia, registrou-se imagens fotográficas dos rastros de pequenas espécies, habitantes deste lugar, que configuravam desenhos singulares e espontâneos sem interferências humanas. No processo da escrita, entre articulações filosóficas e poéticas, apresentam-se essas imagens em atravessamentos com as noções de invisibilidade e visibilidade, presentes na linguagem do desenho em Jacques Derrida, e com a configuração de uma quase virtualidade em modos de ver de David Lapoujade. Finalmente, a configuração do trabalho propõe trazer os esboços que se desenham e se inscrevem no território arenoso, intensificando suas existências mínimas.
Uma reflexão autoenográfica sobre a aprendizagem e o ensino do desenho
Esse texto aborda o tema da aprendizagem e do ensino de desenho a partir de uma vivência pessoal. Tem o objetivo de compartilhar experiências sobre um contexto específico, passível de comparações com outros casos desse campo de estudos. A partir da perspectiva autoetnográfica de David M. Hayano (1979), constrói uma narrativa biográfica cronológica. Apresenta uma síntese descritiva de eventos cotidianos relacionados à problemática do desenvolvimento de habilidades técnicas do desenho figurativo. Descreve algumas das dificuldades encontradas durante as atividades de ensino de desenho em cursos de graduação na área de artes visuais. Relaciona algumas das estratégias utilizadas para superá-las, e finaliza com uma reflexão sobre o papel das repetições e correções na aquisição destas competências.
O Desenho-Escritura de Ana Hatherly e Mira Schendel
A arte contemporânea é um regime de saber que tem se tornado cada vez mais permeável, portanto as contaminações entre disciplinas e meios é uma recorrência. Os desenhos de Mira Schendel e Ana Hatherly que se fundem. Com seus textos e escrituras são exemplos do diálogo entre narrativas, memórias e diários que expandem o processo plástico. O presente artigo aborda o desenho das duas artistas e sua relação com a escrita.
O desenho como membrana: processos, aprendizados e compartilhamentos
El presente artículo pretende reflexionar sobre la importancia del deseño como instrumento sensible y productor de conocimiento, así como, una técnica porosa, que cruza y forma parte de diversasformas de conocimiento. En su capacidad plástica para crear imágenes, el deseño también lleva la posibilidad de emancipar la imaginación, como parte de nuestros proyectos de vida, así como un proyecto cultural, político y social en una perspectiva más amplia. Con estas premisas, hago reflexiones sobre la práctica y el funcionamiento de este lenguaje, extendiendo los procesos porosos de deseño a las urgencias y necesidades de la vida cotidiana vivida y compartida.
The Notebooks of Leonardo da Vinci,1 copilados e editados dos manuscritos originais por Jean Paul Richter são evidências cabais de que para Leonardo o desenho era fundamental em todas as suas múltiplas atividades. Contudo nos dias atuais há um desinteresse enorme por pesquisas que esclareçam a importância do desenho para profissionais projetistas, para o cotidiano das pessoas, para o desenvolvimento da cognição e na educação para as Artes, para o Design, para a Arquitetura. Até mesmo o desenho da criança tão estudado até a década de 80 tem sido esquecido. De Luquet (1913) a Claire Golumb (1992)3 muita pesquisa confiável foi produzida sobre a evolução do desenho livre da criança, mas o que se escreve e se vende hoje são meras receitas para aprender a desenhar, entre elas o livro Drawing on the Right Side of the Brain Workbook (1998)4.Os exercícios que Betty Edwards propõe neste livro produzem bons resultados por serem desinibidores da expressão, mas cientificamente nenhuma pesquisa demonstrou que realmente ativam o lado direito do cérebro.
Sensaciones, mezclas y plasticidad: cuando los niños experimentan y descubren el arte contemporáneo
Este artículo tiene como objetivo discutir los enfoques de los niños al arte contemporáneo en contextos escolares señalando las posibilidades de proposiciones que fomentan esta reunión.